Conclusión Final.

Haciendo un recorrido a lo largo del cuatrimestre me he encontrado con aciertos y desaciertos, en la primera consigna que fue empezar a bucear sobre el arte digital que engloba una serie de disciplinas creativas en las que se utilizan tecnologías digitales en el proceso de producción o en su exhibición. Las computadoras forman parte de la industria visual desde las últimas décadas del siglo XX; el aumento de su capacidad para generar, reproducir y difundir imágenes ha llevado a una extensión de su uso en el cine, la televisión y la publicidad, y posteriormente en la industria de los videojuegos, que no deja de mejorar la calidad visual de sus productos; diseñadores gráficos y arquitectos utilizan cada vez más las computadoras en su trabajo y los soportes digitales como el CD-Rom, el DVD y la misma Internet difunden las colecciones de museos y la obra de artistas de todos los estilos y épocas. La informática y los nuevos medios de producción, tratamiento y distribución digitales constituyen un campo fértil para el desarrollo de la expresión artística.

El recorrido también comenzó con una serie de palabras para emprender el trabajo, para luego que se valla formando en algo más definitivo, como por ejemplo, “oximorón” que quieres decir imagen retórica, “los objetos virtuales”, “lo real”, “imagen temporalizada”.

Cuando trabajamos con lo que pasaba en el arte digital nos encontramos con un teórico muy interesante que es Xavier Berenguer, en su página hay mucha información sobre lo digital. También con Berenguer dimos un cuento “Ada” que está escrito por él y que habla sobre la importancia de la imagen femenina en tiempos en los cuales no se les daba la libertad necesaria para realizar trabajos que en esa época era solamente de “hombres”.

Desde aquí ya empezamos a trabajar con una consigna para lo que llevaría un trabajo teórico-práctico, en el cual la consigna era buscar o elegir tres palabras las cuales no tenían que tener que ver una con la otra que fueran formas, signos, y desde ahí empezar a buscar información para que vaya tomando forma el trabajo.

Las palabras que elegí para mi trabajo fueron: colores, visión, texturas. A la hora de empezar a buscar información teórica tuve mucha dificultad, ya que en lo práctico ya tenía en mente lo que quería lograr. Intercambiando ideas con la profesora, me guió para empezar a buscar sobre lo que es la gramática de la visión, sobre los esquemas de Kanizsa, la psicología cognitiva. En una breve explicación la psicología cognitiva es una escuela dentro de la psicología que se encarga de los procesos mentales implicados en el conocimiento. Tiene como objeto los mecanismos básicos por los que se elabora el conocimiento, desde la percepción, memoria, aprendizaje, hasta la formación de conceptos y razonamientos lógicos. Este tipo de psicología se trabaja más que nada en el campo de la educación por medio de la pedagogía.

Como guía del trabajo práctico utilice los elementos que me mostraba Kanizsa, el trabajo realizado en su triangulo y conjunto de cuadrados y círculos, mostrando un ejemplo de imágenes ópticas y efectos que se producen con formas simples. Kanizsa fue un psicólogo e investigador italiano, su trabajo más famoso que ya lo he mencionado es el “triangulo” blanco que parece superponer a otro triangulo y tres círculos. El triangulo no sólo aparece sin estar sino que adquiere un color blanco más intenso que el espacio del mismo color que lo rodea.

A raíz de todas las investigaciones correspondientes, conocí al psicólogo Vygotski, en el cual me fue de gran ayuda porque resumía mis tres palabras elegidas en un texto que escribió Amaya Ortiz Zárate, en el cual definía las imágenes cognitivas y su funcionamiento con nuestro inconsciente, lo que captan nuestros ojos y la diferencia que encontramos en cómo trabajan nuestras retinas cuando vemos imágenes con efecto ópticos y cuando son más simples, con colores brillantes o con colores opacos, etc.

Con respecto a Lev Vygotski podemos decir que fue un estudioso y que estuvo fuertemente preocupado por el conocimiento del lenguaje y las ramas de la psicología del desarrollo, que lo llevaron a realizar un análisis profundo y que hoy podemos tomar sus textos como referente primario en estos temas. Nacido en el Imperio Ruso (actualmente Bielorusia), fue precursor de la neuropsicología soviética.
La reflexión sobre arte nos lleva a concluir la necesidad de un conocimiento más profundo acerca de la naturaleza del lenguaje.
Una de las constantes de su investigación fue la construcción de una teoría de la evolución cognitiva centrada en el papel estructurante que en ella desempeña el lenguaje, aplicando a la pedagogía y al campo clínico.
El hilo de Ariadna que secretamente une estas tres esferas: el arte, la psicología cognitiva y la psiconeurología, y lo que hace tan fértil su aportación a cada una de ellas, es su concepción del lenguaje como herramienta material que transforma el cerebro humano que lo utiliza. Vygotsky sitúa el lenguaje y la conducta social en el origen del pensamiento y de la conciencia.

La segunda parte del trabajo consistía en realizar una serie de imágenes (10) con carácter digital, que acompañaran la investigación teórica ya indagada.

Las diez imágenes que trabajé fueron hechas por mí en el programa que trae Windows, que es el Paint en el cual fui dibujando cada imagen, la dificultad que encontré en este caso tiene que ver más con el aspecto técnico, ya que a la hora de dibujar cada una de las líneas me producía el efecto de rechazo en la vista ya que me mareaba porque estaba produciendo el efecto del op art que mirando constantemente las líneas del dibujo, se produce cierto movimiento en la imagen.

Los elementos compositivos que usé en las imágenes son colores saturados, valores bajos y altos, utilice en varias de las imágenes la línea quebrada, si bien también use líneas simples, en algunos casos también utilice formas geométricas como el círculo, algunas elipses, cuadrados y rectángulos. Los objetivos fueron cumplidos en tiempo y forma.

La experiencia de trabajar en estas consignas me dio la posibilidad de conocer autores que no conocía anteriormente, buscar programas que tienen que ver con la transformación de la imagen, obviamente trabajando todo en forma digital y virtual.

Los conocimientos que tengo en general sobre los programas que tienen que ver con este tipo de trabajo (el de transformación de la imagen digital) son muy básicos. En este periodo conocí otros tipos de programas que me facilitaron mucho el trabajo con imágenes en cantidad y unitarias, en colores, en escala de grises, desarmando y armando la foto, cambiando sus formas, etc.

Navegando por los distintos link que colgó la profesora de la cátedra en su blog, todos son interesantes, pero hay uno que me llamo particularmente la atención, es el de la artista Zineb Sedira, si bien la página se encuentra en ingles, pude ver la cantidad de trabajos que tiene que son los que realmente me parecieron por demás interesantes, desde las fotografías hasta las instalaciones que presenta en su página, son realmente muy atractivos. Su origen es Argelia, es una artista contemporánea que actualmente participa de bienales y exposiciones alrededor del mundo.

Esto me lleva a un texto de Walter Benjamin titulado “La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica”. En este texto Benjamin va a decir: “La obra de arte siempre ha sido susceptible de reproducción y cada cosa creada por los humanos se ha considerado digna de imitación; y en tiempos de los griegos había cosas que no se prestaban a la producción técnica y otras que sí, como los bronces, las terracotas y las monedas. La xilografía hizo que se reprodujese técnicamente el dibujo, la litografía llevó a la ilustración al mercado masivo para acompañar a la vida diaria y después llegó la fotografía para acentuar este colorido”.

Walter Benjamin lanza una advertencia crítica: “Incluso en la reproducción mejor acabada falta algo, el aquí y el ahora, pues, en la existencia del producto artístico como objeto singular quedan depositados la Historia y los procesos socioculturales en los que a la vez halla su origen, y es a causa de esto que la reproducción técnica cancela a la autenticidad y permite a la obra de arte dirigirse a su destinatario: la catedral se desplaza hacia la pared de un estudio o una obra coral se escucha en una habitación minúscula”.

La unicidad de la obra de arte surge como testimonio de su ensamblaje con la tradición, tal es el caso de los íconos y la escultura religiosa de todo tipo, y dicha función de materializa en el culto, del que la obra de arte se ve liberada por la reproducción técnica, a través de la copia que, al servir la función de original para una inmensidad de copias posteriores, hace inútil preguntarse por la suerte de la obra original.

En el peculiar caso de la fotografía, el valor cultural, en apariencia inexistente, queda exiliado en el rostro humano y por ello no es casual que el retrato como concepto del recuerdo amoroso regale su autenticidad a la fotografía concediéndole el valor del culto a los seres queridos, lejanos o desaparecidos, en los que alcanza a vibrar el aura, como belleza melancólica e incomparable.

La disputa entre el valor cultural y el artístico (exhibitivo) habría generado una teología del “arte por el arte” mediado el siglo XIX y en tales circunstancias resultará absurdo intentar sacar ningún provecho de la comparación entre el valor artístico de los productos de la pintura y la fotografía, pues la reproductibilidad técnica despojó al arte de su fundamento cultural y con el siglo XX sobrevinieron todas las modificaciones de sus funciones artísticas, sobreviniendo de los debates subsecuentes, y con especial vigor, la polémica sobre la ascensión del cine al rango de arte, en la que sus detractores (como Georges Duhamel o hasta Theodor Adorno) denunciaban que el cine sólo presentaba copias estériles del mundo.

El cine, al mediar entre sus objetos y su reproducción una estructura de mecanismos, presenta una realidad que es siempre artificial en oposición teatro que en su expresión autorrepresentadora convierte en ilusión todo lo que le rodea, tanto lo que ocurre sobre las tablas como lo que rodea a los espectadores, misma situación que Benjamin desarrolla con los ejemplos del mago y el cirujano, el operador y el pintor, y con ello se apunta que la representación cinematográfica de la realidad un valor especial porque esta “realidad artificial” se halla despojada de todo aparato, tal y como lo exige la obra de arte auténtica.

La obra de arte ha cambiado su relación con el público masivo gracias a la reproductibilidad técnica que permite a cualquier espectador erigirse en perito artístico, pues con la disminución de la importancia social de arte viene la disociación de la crítica y la contemplación, y lo que ocurre con la pintura es que por sus propias características no está en condiciones de ser objeto de una distribución y recepción simultáneas y colectivas.

En tanto que ya no es posible establecer una frontera clara entre las masas que buscan disipación y el arte que exige recogimiento, se debe tomar en cuenta que es la masa la que ha vuelto a resignificar todos los valores frente a las obras artísticas y vemos que ambas categorías quedan sumergidas en la obra de arte en general y en el cine en lo particular y de ahí pasan a formar su opinión.

Benjamin renovó el concepto de la experiencia kantiana (Erfharung, la experiencia interna, el conocimiento a través de la conciencia de esta) para otorgarle el barniz de la inmediatez, del choque con lo novedoso y del atractivo de una aventura por la que se vive cada nuevo conocimiento (Erlebnis, la experiencia a partir de dicha aventura desde nuevos soportes y ofertas).

Esta nueva forma de experiencia obliga la relación con contextos sociales más amplios proyectados desde la tradición favoreciendo la aparición y apreciación del aura.

Decidí incluir en estas palabras este breve resumen sobre los escritos de Benjamin, ya que me parecieron acordes a lo que veníamos trabando, y siempre está bueno recordar lo que está pasando con el arte en todos sus tiempos.